L'artiste Matthew Angelo Harrison complique la relation entre l'agence et l'esthétique

Après un clin d'œil à la Biennale de Whitney, l'artiste représentée par Jessica Silverman attend avec impatience une présentation à la Kunsthalle Basel 2020.

Lors d'un récent après-midi, le sculpteur basé à Detroit, Matthew Angelo Harrison, a servi de guide à travers la Biennale de Whitney 2019, soulignant ses pièces préférées. Il est l'un des 75 artistes inclus dans l'enquête sans titre et, à 29 ans, rejoint les trois quarts de la liste des moins de 40 ans, faisant de cette itération la plus jeune du musée à ce jour. Parmi ses meilleurs choix figurent l'assemblage d'outils rituels de Tiona Nekkia McClodden sculptés dans un arbre qu'elle a coupé, accompagnés d'une vidéo documentant leur production ; une photographie en noir et blanc d'Elle Pérez centrant un couple enlacé dont l'un sur la poitrine est enveloppé de plastique et porte les marques d'un jeu d'aiguilles (piercing corporel pratiqué pour le plaisir de la sensation) ; et une paire de natures mortes fragmentées de Paul Mpagi Sepuya créées en collaboration avec l'écrivain Ariel Goldberg. Éclairant les murs d'une salle au cinquième étage du musée, les photographies de Sepuya - pour lesquelles il utilise des miroirs, des trépieds et la présence de l'appareil photo lui-même pour interroger la relation entre l'artiste, l'outil et la composition - entourent et complètent les propres créations hybrides de Harrison. Pour sa contribution, Harrison présente six nouvelles sculptures dans sa série Dark Silhouettes. Chacune présente un artefact immergé dans la résine, puis découpé avec précision par une défonceuse CNC en totems rectangulaires de différentes tailles et imprimés de formes mécaniques marquant la caresse de la machine. Quatre lances Dogon et deux idoles en bois d'Afrique de l'Ouest - certaines antiquités de bonne foi et d'autres produites en masse pour être vendues en Occident - apparaissent obscurcies à l'intérieur, comme si elles étaient figées dans la glace, un effet intentionnellement obtenu par Harrison pour communiquer une idée qu'il appelle "l'ascendance abstraite". Ils reposent sur des piédestaux en métal élégants façonnés d'après les conceptions belges du milieu du siècle, faisant allusion à l'histoire de la colonisation du pays en Afrique.

"Afin de s'identifier et de s'assimiler à la culture des Noirs américains, ils ont dû se réapproprier l'imagerie africaine pour créer leur propre idée de ce qu'est la patrie", dit-il. Abordant son métier comme un producteur de techno (un symptôme de son éducation dans le Michigan), Harrison note que la provenance des objets, comme un échantillon dans un morceau, est moins importante que le produit fini. Une fois que ces objets atteignent ses mains, ils ont perdu leur énergie cosmique. "J'ai rassemblé l'histoire de ces choses et je les ai intégrées dans mon propre récit en tant que personne noire qui a été complètement retirée de son ascendance."

Au centre de la pièce une pièce se détache. Intitulé Worker Fragment Gleam (2019), il se compose à première vue d'un phare BMW coupé flottant et apparaît comme un spécimen dans une cloche de verre. Harrison, un ancien employé de Ford, note que la voiture a été assemblée dans une usine de Detroit : "Vous pensez à cela comme une voiture européenne alors qu'en fait, elle est conduite ici, assemblée ici et consommée ici", dit-il. Considérée ensemble, l'installation fonctionne comme une puissante métaphore visuelle de la perte et du réassemblage de la culture en raison de la mondialisation et de l'échange entre la production et la vie humaine. Avec une palette discrète de bruns et de gris, la déclaration semble tempérée, voire terre-à-terre.

"Toutes ces transmissions qui se produisent à cause de la mondialisation laissent une trace. Cela enlève quelque chose à l'identité de chaque chose", dit-il. "Une fois la colère passée, comment pouvons-nous nous adapter à ces changements sismiques de culture et les rendre, pas nécessairement justes, mais fonctionnels d'une manière qui aide tout le monde à comprendre l'histoire ? C'est un processus de réhabilitation."

Bien que certains critiques de la Biennale de cette année affirment que l'exposition n'a pas le feu radical dont elle est devenue synonyme au cours de ses 79 ans d'histoire, de nombreux artistes ont réussi à créer un espace pour un travail subtil, un art qui bouillonne plutôt qu'il ne crie. Avec une allusion puissante mais capiteuse aux complexités de la culture noire américaine contemporaine, à jamais modifiée par les marées du colonialisme et de la mondialisation, Harrison plaide en faveur de l'agence plutôt que de l'indignation.

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